La Tartana Teatro es una de las compañías de la escena madrileña que posee un bagaje cultural más amplio, con veinticinco años de existencia, durante los cuales ha recorrido con sus espectáculos los más diversos lugares, tanto de España como de otros muchos países.
La Tartana se decanta por la acción visual, la marioneta y el objeto como elementos básicos de la escena.Posee un lenguaje propio, muy cercano a la sugerencia y próximo al matiz, con una propuesta continuamente renovadora, amparándose en una constante investigación.
La compañía ha sufrido muchos cambios a lo largo de su existencia. Desde 1996 bajo la dirección de Juan Muñoz sus producciones han estado centradas en el títere, dirigidas a un público familiar y con un continuo crecimiento creativo.
Sus últimas producciones son. La Roca y la Colina, Frankenstein,,Las Aventuras del Barón, El Bosque de Tantatroc y La Pequeña Historia de la Vieja Señorita Ofelia. Con Fausto, un alma para Mefisto, hemos querido recuperar el público adulto para el teatro de títeres.

ESPECTACULOS

PIRATAS
Si, es la nuestra una
"Historia de Piratas", con todos sus elementos de aventura: abordajes, motines,encuentros con buques fantasmas, tempestades, ... y como no, la inevitable búsqueda del tesoro.
Es nuestro galeón y su tripulación un "buque errante", maldito desde que Neptuno les
condenó a vagar eternamente por los mares, bajo pena de morir si osasen pisar tierra alguna.
Y es nuestro protagonista un niño capaz de despertar en el rudo pirata sentimientos de ternura y amistad hasta el punto de que el bucanero llegará a arriesgar su vida por él.

IDEA Y CREACIÓN Teatro La Tartana AUTORES Carmen Hernández, Inés Maroto y Juan Muñoz MANIPULADORES Carmen Hernández, Elena Muñoz, Carlos Cazalilla, José Luis Farias VIDEO Luis Martínez DISEÑO DE MARIONETAS Y REALIZACIÓN DEL ESPACIO ESCÉNICO Inés Maroto, Carmen Hernández y Juan Muñoz DISEÑO ILUMINACIÓN Paloma Parra y Juan Muñoz MÚSICA José Manrique

VESTUARIO Mari Carmen Pérez Pastor PRENSA Y DISEÑO GRÁFICO David Rodríguez DISTRIBUCIÓN María Fresno - Luis Martínez ADMINISTRACIÓN Javier Rodríguez PRODUCCIÓN Luis Martínez DIRECCIÓN Juan Muñoz

EL NIÑO Y LOS SORTILEGIOS
Un Niño está encerrado en su habitación hasta que acabe los deberes-. Hastiado se dedica a matar el tiempo destrozando todo lo que le rodea: el juego de té, los libros, los muebles,... Incluso molesta divertido a los animales que pueblan su jardín, ajeno a las consecuencias y a la magia que pronto sus travesuras van a desencadenar. De repente la magia se apodera del sillón que, para demostrar su malestar, comienza a bailar con una silla Luis XV. Aturdido el Niño contempla como se ha iniciado una auténtica rebelión de casi todos las cosas que ha torturado (el reloj de pared, la chimenea, etc.) que, enfadadas con él, no van a dejarse avasallar así como así. Más tarde del papel pintado de la pared surgirán figuras de fábula; pastores con sus cabras que danzan al son de una dulce música. De las páginas de un libro destruido sale una hermosa princesa que le recuerda que romper un libro es matar la imaginación que se encargan de crear los cuentos. Luego entra en la habitación un viejo profesor, cuya cabeza es el número pí, que enloquece al protagonista con incompresibles fórmulas y delirantes ecuaciones. El tiempo ha pasado velozmente y ya es de noche en el jardín. Encaramados en un gran árbol, los animales también tienen mucho que reprochar al niño y lo asaltan con sus retos y sus amenazas. Por fin los que le rodean descubrirán todo lo bueno que hay en el fondo de su corazón.

EL QUIJOTE, UN AUTO DE ILUSION PARA ANDAMIO Y CALLE
Un andamio presidido por el Caballero manchego y frente a él un espacio circular, será el escenario elegido para acoger las fantasías y aventuras de El Quijote de La Tartana. Andamio, castillo, venta o casa de El Quijote, actores versátiles, ahora damas o venteros, Basilio o Camacho, ama o barbero; después grandes zancudos-presos, zancudos-molinos o gigantes en un devenir constante en el espacio escénico, intercambiándose con muñecos de diversos tamaños que en otros tantos lugares del andamio dan vida a las fantasías del Caballero. Ritmo, humor, sociedad de ayer y de hoy; ansias de libertad y justicia, victoria y derrota. Y finalmente la muerte serena…. Un gran globo aerostático de color blanco dejará entre el público el espíritu del Caballero de la Triste Figura, también llamado “Caballero de los Leones”. La Tartana Teatro se adentra en el universo de las fantasías del personaje creado por Cervantes. Las alucinaciones y las aventuras se mezclan en este espéctaculo de calle, en el que los actores ora son zancudos, ora molinos de viento. Creando un espectáculo vivo, en transformación permante, que hace posible el sueño de ver cabalgar libremente el espíritu de El Quijote. | EL QUIJOTE DE LA TARTANA | ¿Qué transmitir al espectador de una novela tan extensa y densa como esta? ¿Cómo hacerlo, cuando además, el marco elegido es un espectáculo de calle? Pues bien, La Tartana toma como inspiración un grabado de Gustave Doré que muestra a El Quijote rodeado de sabios y encantadores, gigantes y aguerridos caballeros, princesas y castillos encantados; rodeado ni mas ni menos de todas sus fantasías; imaginando entablar feroces combates siempre en su afán de desfacer entuertos y ayudar a viudos y menesterosos; un Quijote que pretende un mundo mas justo; un Quijote amante de la libertad, generoso e idealista que en estas fantasías trasciende el estrecho mundo de hidalgo manchego para abrirse a otros temas y personajes que componen la variopinta sociedad de su época. Así, se han elegido para el espectáculo estas alucinaciones de El Quijote, la parte mas fantástica del hidalgo; pero se ha cuidado a su vez en esta selección que estuviesen presentes y los mas característicos personajes que la sociedad del Siglo XVI y que pueblan la obra de Cervantes. Los presos condenados a galeras, nobles y los pastores, vagabundos, curas y barberos, la Santa Inquisición, paganos y cristianos ..., desfilarán por el espectáculo de El Quijote. Y no ha querido La Tartana prescindir de Dulcinea, “el amor de El Quijote” y la presenta en su montaje como una “imagen”, la imagen de una mano peinándose los cabellos, la imagen de cualquier mujer sea cual fuere a la que El Quijote entregara incondicionalmente su amor. Si bien sería imposible dejar a un lado el humor y la ironía que impregna toda la obra cervantina, lo hemos potenciado especialmente a la hora de tratar personajes y situaciones, estando presente a lo largo de todo el espectáculo.

A PEDIR DE BOCALAS CACEROLAS EMPIEZAN A HUMEAR Pocas cosas nos sugieren sensaciones tan diferentes como la comida. Sustento, necesidad, fuente de placer, elemento de seducción, y a veces de frustración, recuerdos, mimos, anhelos, paisajes, inspiración de artistas.... Cada uno tenemos nuestra relación particular con la comida, lo cual hace que sea especialmente suculenta a la hora de plantear un espectáculo como “A Pedir de Boca”. Nunca sentí dudas sobre su validez como fuente de inspiración para la creación coreográfica (no es por nada que nació la idea a raíz de tropecientas conversaciones con compañeros del gremio en las cuales, por alguna razón u otra, salía la comida), cuatro ediciones diferentes de esta obra me han enseñado que el abanico de posibilidades es aún más rico de lo que había imaginado. Cinco coreógrafos distintos se juntan para crear una cena, la cual se degusta con los ojos, el olfato, el paladar, el oído, y a veces con el tacto, tanto en el escenario como el plato. Obras cortas, con cinco voces muy diferentes entre sí, que este verano abarcan la danza contemporánea, la danza teatro, la danza española y el flamenco... y algún que otra sorpresa. Nos guía un Maître que aparece bajo el guiso de maestro de ceremonias y que también participa como intérprete. Su colaboración con los coreógrafos ha ido aumentando con cada producción, hasta establecer una clara vertebración escénica más allá de la estructura habitual de un menú. Como cocinera me toca una parte delicada porque debo buscar un equilibrio entre los coreógrafos participantes. Encontrar el lugar adecuado para cada uno y una manera de relacionarles que haga que la cena funcione y que deleite al público. Doy muchas vueltas al asunto hasta establecer el menú. Entonces realizo un pequeño gran salto al vacío con los ojos abiertos. Cuento con el delantal como paracaídas y con la fé absoluta en la capacidad de cada uno de los artistas en encontrar el punto justo de cocción en su creación y mantener abierto al diálogo entre todos. Da vértigo, pero es un paso inevitable si quiero ofrecer a los coreógrafos la libertad de buscar su inspiración en un terreno nuevo. Hasta ahora mis expectativas se han cumplido, a veces hasta tal punto que me he quedado atrapada, con la carne de gallina, emocionada y con mi papel de anfitriona olvidado por un momento. Y, por supuesto, se come, y bien. Pero aunque esta obra tiene una fuerte carga gustativa, existe otro elemento que aún desconocíamos en la primera producción, pero que hemos comprobado de sobra con cada nueva edición de “A Pedir de Boca”. Y es que la experiencia nos ha demostrado que la complicidad entre el público en sí, entre el público y los artistas, y entre todos los participantes en este proyecto se convierte en un personaje importante de la obra. Jamás ha habido participaciones forzosas del público, pero viendo que se quedaban con las ganas, un día les invitamos a bailar y de repente se llenó el escenario y durante unos minutos convivimos en un placentero mundo “agarrao” mientras sonaba una balada tocada por Tete Monteliú. En “A Pedir de Boca” ocurren estas cosas, igual que la energía colectiva del público se vive intensamente, y el disfrute de las diferentes compañías de danza se contagia. Cinco coreografías muy distintas entre sí se convierten en un verdadero menú de degustación que disfrutamos y que nos provoca a pensar en la comida y todo lo que la atañe, de una manera diferente. Este verano, entre los artistas del menú tendremos a Paloma Díaz, Daniel Doña, Guillermo Weickert, Carlos Chamorro, Nicolas Rambaud y Coral Troncoso y otros, y a nuestro Maître preferido, Ignacio Durán. Atención: algo especial se cuece aquí.

MAPAMUNDI
Un recorrido por el paisaje interior del coreógrafo | 4 SOLOS DE DANZA Y VIDEOCREACIÓN | Mapamundi son 4 solos de danza, 4 recorridos sin brújula, 4 piezas breves creadas e interpretadas a modo de autorretrato por los coreógrafos Gabriela Solini (TO.DO.), Nicolas Rambaud (salociN) , Guillermo Weickert (Descenso-Capricho) y Teresa Nieto (Solipandi). Artistas de personalidad marcada y trayectoria sólida, representan cuatro maneras muy distintas de entender la danza contemporánea, y cuatro momentos distintos del proceso vital y creativo. Para este reto de definición y edición cuentan con la colaboración activa del videocreador Octavio Iturbe, conocedor a fondo tanto de las posibilidades de la cámara como de los entresijos del lenguaje corporal y teatral. Su escucha sensible y su creatividad a la hora de plasmar las imágenes sugeridos por los coreógrafos han dado como resultado una convivencia justa y fluida entre el cuerpo en escena y las imágenes en pantalla además de aportar la unión entre pieza y pieza. Mapamundi transforma estos cuatro recorridos personales e intransferibles en un programa variado, equilibrado y atractivo que capta con facilidad la imaginación de los espectadores y les convierte en verdaderos compañeros de viaje. | CARTOGRAFÍA DE UN DESEO | “MAPAMUNDI, Un recorrido por el paisaje interior del coreógrafo”, es una serie de cuatro solos de danza. Cada uno es un singular autorretrato que sirve para dar cuerpo al paisaje interior de un coreógrafo, a los elementos que le nutren, que le inspiran, que le influyen, que le marcan. Aunque el autorretrato se puede entender como un proceso de trabajo solitario es siempre el fruto de una relación entre el individuo y su entorno. Hay muchas maneras de hacer aflorar lo que llevamos dentro. En este caso la cámara sirve de puente entre lo interior y lo exterior, además del punto de unión entre las piezas. La perspectiva de lo audiovisual aporta una multiciplicidad de planos, no solamente del trabajo propio de cada coreógrafo en el estudio sino también de exteriores, de texturas, colores, paisajes y referencias externas. Los proyectos coreográficos que realizamos cada verano en el Teatro Pradillo nacen y crecen aquí, y siguen con vida propia después de habitar y evolucionar en la sala. Estas propuestas están concebidas no como simples encargos sino como retos que pueden provocar un proceso enriquecedor a los artistas participantes. MAPAMUNDI es una declaración de fe en el trabajo del artista, en unas trayectorias hechas y otras posibles, vistas desde una perspectiva que sin duda conforma una parte importante de mi propio paisaje